Este estilo único que surgiu em 1796 tem sido um meio popular entre os artistas ao longo do tempo. Aqui estão algumas litografias famosas que surpreenderam o mundo da arte.
Inventada em 1796 por Alois Senefelder, a litografia é uma forma de impressão. O poder por trás da litografia é a relação entre água e óleo. O equipamento e a técnica necessários para criar litografias eram difíceis de adquirir, mas o processo foi lentamente aprimorado ao longo do século XIX, com sua popularidade aumentando na década de 1870. A partir de então, muitos artistas diferentes, de diversos movimentos artísticos, utilizaram o meio para produzir suas próprias litografias famosas. Aqui estão sete que você precisa ver.
Théodore Gericault, Boxers, 1818
Muitos conhecem Théodore Gericault por sua obra incrivelmente famosa, A Balsa da Medusa, que está exposta no Louvre. Embora seu talento com o óleo fosse aparente, ele também era um mestre em litografia. Em sua obra, Boxers (Boxeurs), vemos dois homens, um negro e outro branco, em uma luta de boxe. Ele enfatiza o contraste ao longo da obra, mesmo com as diferentes técnicas que utilizou para criar diferentes partes da obra. Para as áreas mais escuras da estampa, como a metade superior da boxer preta e a calça da boxer branca, ele usou caneta pontiaguda e linhas de tinta. O torso do boxeador branco e as calças do boxeador preto foram criados com giz de cera macio.
Édouard Manet, As corridas (Les Courses), 1865-72, publicado em 1884
O famoso pintor modernista Édouard Manet fez experiências com a criação de litografias durante o início da década de 1860. Embora muitos artistas preferissem contratar artesãos treinados para criar gravuras de suas obras, Manet preferia produzir ele mesmo as gravuras. Muitas de suas litografias foram reproduzidas diretamente dos originais, resultando em versões invertidas deles. Como acontece com muitas de suas obras, temos uma perspectiva única, em vez da típica representação de corridas de cavalos nas arquibancadas.
Henri de Toulouse-Lautrec, Etude de femme (Estudo de uma mulher), 1893
Etude de Femme (Estudo de uma Mulher), 1893, de Henri de Toulouse-Lautrec, é uma bela representação de uma mulher nua, despindo-se delicadamente ao lado da cama. Ela parece calma apesar do seu estado vulnerável, inconsciente da qualidade um tanto voyeurista deste trabalho. Neste trabalho, Toulouse-Lautrec afasta-se do uso habitual de cores ousadas e emocionantes exibições de luxo e, em vez disso, opta por criar uma representação mais íntima da vida humana. Os contornos amarelados da obra complementam o delicado azul dos lençóis da mulher, exemplificando o conhecimento especializado e o uso da cor da artista. O espectador é atraído para a vida privada da jovem, vivenciando em primeira mão o calor e o conforto do momento retratado.
Pablo Picasso, Pomba da Paz, 1949
Em 1949, para o cartaz do Congresso de Paris, Picasso criou a primeira “Pomba da Paz”. O congresso foi inaugurado no dia 20 de abril, e na véspera, a querida artista Françoise Gilot deu à luz uma filha, que se chamava Paloma (traduzido do espanhol Paloma - “pomba”).
Além da sua importância social, a imagem da pomba era profundamente pessoal para Picasso. O pai do artista era um grande amante desses pássaros e ensinou o pequeno Pablo a desenhá-los. A primeira imagem de uma pomba, criada por Picasso para o Congresso de Paris, era uma litografia muito realista. Mais tarde naquele ano, o artista voltou a encarnar esta imagem, desta vez na forma de um simples desenho gráfico, que se tornou ainda mais popular e replicado. Mais tarde, nas décadas de 1950 e 1960, Picasso criou muitas imagens de pombas.
Maurits C. Escher, Concavo e Convexo, 1955
Maurits C. Escher foi um artista gráfico holandês que usou a matemática para criar mundos impossíveis em suas obras. Cientistas e matemáticos demonstraram inicialmente mais interesse por suas obras do que o mundo da arte. No final dos anos 60, seus trabalhos começaram a aparecer em capas de álbuns e livros. Seu equilíbrio entre o caos de um mundo que nossos cérebros nos dizem ser inviável e a calma de seus habitantes enfatiza o surrealismo da obra. Seu uso da perspectiva de três pontos elimina o que está em cima e o que está em baixo e cria uma situação difícil quando se trata de iluminação. Escher aborda esta questão de forma integrada, analisando cuidadosamente de onde viria a luz e como ela afetaria o trabalho de cada uma de suas linhas de horizonte.
Roy Lichtenstein, Explosion, 1965-66
Um dos membros mais famosos do movimento Pop Art, Roy Lichtenstein possui um dos estilos mais reconhecidos em todo o mundo da arte. Ele criou obras de arte ousadas inspiradas em anúncios e histórias em quadrinhos. Explosion apresenta pontos Ben-Day, em homenagem a seu inventor Benjamin Henry Day, Jr. Eles eram uma técnica popular entre os gravadores para criar sombreamento e coloração. Lichtenstein representou os temores de uma guerra nuclear que eram galopantes durante esta época. As bombas e explosões nucleares prevaleciam em toda a mídia durante esse período e Lichtenstein incluiu sua mensagem poderosa em seu próprio trabalho para se conectar com seu público.
Josef Albers, Quadrado de linha branca IV, 1966
Josef Albers fez o que fez pelos movimentos Minimalista e Op Art, mas também fez grandes avanços no mundo da educação artística. Ele foi membro da Bauhaus em Weimar, Alemanha, até que esta foi forçada a fechar devido à turbulenta situação política criada pelos nazistas. Ele emigrou para os Estados Unidos após seu fechamento e lecionou no Black Mountain College, na Carolina do Norte, e eventualmente se tornou chefe do departamento de design da Universidade de Yale. Ele criou suas litografias simples, mas reconhecíveis, enquanto explorava os efeitos ópticos das cores e das formas geométricas. Ele levou muito a sério a criação desses trabalhos, considerando-os como experimentos científicos com a teoria das cores.
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